Sie kennen sich seit über 50 Jahren: 1973 schlossen der 13-jährige Steve Vai und sein 17-jähriger Gitarrenlehrer Joe Satriani in einem Schlafzimmer auf Long Island ihre Instrumente an bescheidene Verstärker an, ohne zu ahnen, dass sie damit den Grundstein für ein wegweisendes Kapitel der modernen Sechssaiter-Geschichte legten. Mit ihren wegweisenden Solokarrieren und einer gemeinsamen Geschichte auf Bühnen weltweit zählen Satriani und Vai zu den prägenden Gitarristen des modernen Rock und haben Generationen von Musikern beeinflusst. Jahrzehnte später hat das Duo seine musikalische DNA unter dem Namen SatchVai nun endlich zu einem definitiven gemeinsamen Studioalbum verschmolzen: The Sea of Emotion.
Was als Vorschlag des Managements begann, einen einzelnen Track aufzunehmen, entwickelte sich schnell zu einer Lawine der Kreativität. Satriani schickte Vai eine E-Mail mit zwei fertigen Tracks mit den Titeln „The Sea of Emotion, Part 1“ und „Part 2“. Für Vai war die Reaktion unmittelbar: „Ich höre einfach nur zu und denke: ‚Okay, los geht’s. Es ist so weit.‘ Für zwei Gitarristen, die 35 Jahre lang als Produzenten und Solokünstler in ihren eigenen autonomen kreativen Blasen gearbeitet hatten, erforderte die Zusammenarbeit eine radikale Neujustierung ihrer künstlerischen Egos. Trotz ihrer identischen Hintergründe, gemeinsamen Einflüsse und aufeinander abgestimmten Equipment-Vorlieben stellten sie schnell fest, dass ihre Arbeitsweisen in starkem Kontrast zueinander standen.
„Das Überraschendste war, dass wir auf völlig unterschiedliche Arten schreiben“, erklärt Satriani und ergänzt: „Und genau das machte das Projekt so unterhaltsam und interessant. Der Austausch der Ideen war immer voller Momente, in denen du zum ersten Mal auf Play drückst und denkst: ‚Oh, ich hatte nicht erwartet, dass das passieren würde.‘ Es war das Unbekannte und der sprichwörtliche musikalische Schlag ins Gesicht – jedes Mal, wenn du denkst, du bist einer Sache auf der Spur, schickt dein Songwriting-Partner etwas in eine völlig andere Richtung zurück.“ Für beide war der Prozess fließend und befreiend. Die Regel des Projekts war einfach: Zerschneide die Tracks, füge hinzu, was immer du willst, und wenn eine Idee bei beiden Spielern keinen Anklang fand, wurde sie ohne verletzte Gefühle verworfen.
Für Vai, der beim Songwriting nach eigener Aussage nur selten mit anderen zusammenarbeitet, hinterließ die Erfahrung eine tiefe Bewunderung für das strukturelle Gespür seines langjährigen Freundes. „Joe hat ein großartiges Gespür dafür, was einen Song zu einem Song macht“, sagt er. „Du kannst mit manchen Leuten schreiben und denkst: ‚Das ist nicht einmal eine Melodie.‘ Aber hier waren die Melodien echt, und sie hatten Persönlichkeit. Er erinnert sich: „Das ist so jugendlich. Genau das hätte mich mit 15 dazu gebracht, dumme Dinge zu tun, die Gitarre aufzudrehen und meine Eltern schreien zu hören: ‚Mach das leiser!‘“ Als Satch es mit einem bescheidenen Vorbehalt schickte – „Ich weiß, ich bin ein Trottel, aber willst du es machen?“ –, war Vai sofort erleichtert über die unverkrampfte Rauheit des Tracks und merkte an: „Joe hat diese Authentizität.“ Um Satrianis lautsprecherzerreißendem Solo Paroli zu bieten, legte Vai noch einen drauf, indem er seine eigenen Linien doppelte, und verwandelte den Song in ein glorreiches Hochdezibel-Duell.
Eine wilde, vor Selbstbewusstsein strotzende Demonstration: „Bronco Freight Train“ wäre beinahe nicht zustande gekommen, bis Satriani sich einschaltete, um für die rohe Kraft des Stücks einzutreten. Satriani erinnert sich, wie er Vais ursprüngliche Idee hörte und dachte: „Das ist es. Du bist auf dem Gipfel angekommen, und der König ist mit seiner Gitarre erschienen.“ Vai hatte befürchtet, sein ursprünglicher Rhythmus-Track klinge zu gewöhnlich, doch als Satriani ihn zerschnitt und das Fundament neu aufbaute, fügte sich alles zusammen. „Da ging für mich das Licht an“, sagt Vai, „weil Joe eine ganz besondere Art hat, Rhythmus zu spielen, sodass die Töne auf eine bestimmte Weise sprechen.“ Derselbe Geist furchtlosen Experimentierens treibt „Zoot Suit Riot“ an – mit Mike Keneally an den Keyboards –, ein diabolisch wildes Stück, bei dem Vai Satchs Melodie der ersten Strophe nahm und für die zweite Strophe rückwärts drehte. An anderer Stelle baute er eine nicht gerade subtile, theatralische Anspielung auf West Side Story ein, deren Soundtrack schon als Kind sein Interesse an Musik geweckt hatte. „‚Zoot Suit‘ ist tatsächlich ein Track, den ich schon herumliegen hatte“, sagt Vai. „Wenn du ein Album machst, gibt es manchmal ein Abwägen – du willst nicht alles in derselben Tonart oder im selben Tempo haben. Dieser Track hatte einen ungewöhnlichen Groove, den ich so noch nie wirklich verwendet hatte. Wie er swingt und wie er zuschlägt. Und es ist so ein freches Riff. Also dachte ich: ‚Ich muss das Joe schicken und sehen, was er davon hält.‘ Es hat ziemlich großartig funktioniert.“ Auf dem düsteren, filmischen „Old Sins Have Long Shadows“ wollte Satriani ein „sexy, geschmeidiges, gefährlich klingendes Riff“ erschaffen, das sich in einen heroischen Refrain verwandelt – inspiriert von Buddy Miles’ geradlinigem Schlagzeugspiel in Jimi Hendrix’ „Machine Gun“, das den Groove verankert, während die Gitarren darum herumschwingen.
Das emotionale Zentrum des Albums führt direkt zu ihren gemeinsamen Wurzeln zurück. „The Sea of Emotion, Part 2“ beginnt mit einem verträumten, zarten Akustik-Intro auf Nylonsaiten, während „Part 3“ – ein rasanter, funkelnder Kracher – den Kreis schließt, indem er mit einem unbezahlbaren Artefakt einsetzt: einer alten Tonbandaufnahme aus einer von Vais ersten Unterrichtsstunden mit dem Titel „Reflections on a Year and a Half“. Vai lacht darüber, dass „wir immer noch nicht herausfinden können, wer auf dem Band was gespielt hat“, während Satriani darauf hinweist, dass die Aufnahme etwas Zeitloses an ihrer Verbindung festhält. „Sie zeigt, wie weit wir gekommen sind“, sagt er. „Wir sind diese beiden Kinder, die ihren Sound noch nicht gefunden haben, aber wir haben Begeisterung. Wir jagen etwas hinterher, und wir sind entschlossen. Ich finde, das ist etwas Schönes.“

Produziert haben die beiden gemeinsam mit ihrem Keyboarder Eric Caudieux, eingespielt wurde verteilt auf sechs Studios von den “Henson Studios” bis zum “Studio 606”, den Großteil gemischt und gemastert hat Greg Koller in den “Apex Studios” in Burbank. Hinter den Gitarren rotiert ein Who’s who der Rhythmusgruppen, von Mike Mangini bis Billy Sheehan, von Glenn Hughes bis Matt Bissonette, von Marco Mendoza bis Kenny Aronoff oder Gregg Bissonette.

Beim erneuten Anhören des letzten Tracks erinnert sich Vai an ein stilles, tiefes Gefühl der Erfüllung, das weit über Technik oder Ego hinausgeht. „In diesem Moment spüre ich wirklich: Wow, wir haben es tatsächlich geschafft“, sagt er. „Ich weiß nicht, was der Rest der Welt von dem Song oder dem Album halten wird, aber für mich ist es ein wunderschönes Zusammenkommen von mir und meinem Freund auf eine sehr intime musikalische Art. Das war der Grund, warum wir das Album gemacht haben.“ (earMUSIC) P.Ro

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